Tematem kompozycji jest kres, rozumiany węziej jako skrajne doświadczenie psychiczne i szerzej jako kres wartości, cywilizacji. KRES jest trwającą około 50-60 minut kompozycją zbiorową, stanowiącą jedną całość, bez przerw, złożoną z 3 piętnastominutowych części połączonych interludiami, skomponowanych przez troje kompozytorów: Artura Zagajewskiego, Teoniki Rożynek i Wojciecha Błażejczyka. Skład wykonawczy to: skrzypce elektryczne (Marta Piórkowska), altówka elektryczna (Aleksandraa Demowska-Maadejska) i 8-stunowa gitara elektryczna (Wojciech Błażejczyk) oraz elektronika (Wojciech Błażejczyk), w formacie 4-kanałowym (kwadro), z intensywnym przetwarzaniem na żywo dźwięku trzech instrumentów. Kluczem doboru kompozytorów było znalezienie twórców, którzy w swoich utworach wykorzystują struktury i brzmienia wyraziste, pełne energii, czasem skrajne, przesterowane, łącząc warsztat klasycznego kompozytora ze środkami zapożyczonymi z muzyki rockowej czy nawet metalowej oraz z eksperymentami dźwiękowymi. Kompozycja Wykorzystuje możliwości, jakie daje użycie trzech elektronicznych instrumentów, których brzmienie zostanie zmodyfikowane poprzez użycie efektów gitarowych i komputerowych do przetwarzania dźwięku na żywo. Dzięki temu brzmienie takich instrumentów, jak skrzypce elektryczne i altówka elektryczna może być obniżone i zrównane z najniższymi rejestrami 8- strunowej gitary elektrycznej. Aspekt brzmieniowy kompozycji – wykorzystanie dźwięku przesterowanego, obniżonego, deformowanego, będzie istotnym elementem kompozycji, związanym z jej tematem. Tematem kompozycji jest Kres – w ujęciu węższym jako kres wytrzymałości psychicznej człowieka, w ujęciu szerszym jako kres cywilizacji, wartości, kres ładu który dominował w światowej kulturze przez ostatnie 30 lat. Oba te ujęcia są ze sobą głęboko powiązane. Temat kresu wytrzymałości psychicznej człowieka łączy się z coraz bardziej powszechnym zjawiskiem załamania nerwowego (Nervous breakdown, Psychological decompensation). To choroba dzisiejszych czasów, ukazująca kondycję współczesnego człowieka. Stres chroniczny, brak równowagi na linii praca – życie osobiste, nadmiar obowiązków, presja codzienności, perfekcjonizm, prokrastynacja, ciśnienie społeczne, sytuacja społeczno-polityczna, mobbing – to przyczyny wymieniane w wielu poradnikach i artykułach naukowych poświęconych zagadnieniu. Prowadzi to do wypalenia zawodowego, braku motywacji, depresji. Zjawiska te łączą się z kryzysem wartości, kryzysem demokracji, poczuciem kresu cywilizacyjnego ładu, którego doświadcza wielu ludzi w dzisiejszym świecie. Wiąże się to z powstaniem skrajnych – kresowych – emocji w różnych grupach społecznych. Ogłoszony przez Fukuyamę w 1992 roku koniec historii (koniec, a nie kres) nie ziścił się – zamiast stabilizacji dominuje poczucie niepewności jutra, nieuchronności wojny, świadomość zbliżającego się kresu świata, który znamy. Problem kresu wytrzymałości psychicznej poruszali już ponad sto lat temu w swoich dziełach ekspresjoniści, sięgając po najbardziej ekstremalne środki tamtej epoki (kategoria ur-schrei). W dzisiejszych czasach w muzyce najwięcej o tym mówią twórcy radykalnych odmian metalu (m.in. nu metal, industrial metal), jak Slipknot, Korn, Nine Inch Nails, Edge of Sanity. Środki dźwiękowe stosowane przez to grono artystów, jak chociażby ciemne brzmienie oparte na bardzo niskich rejestrach (podobnie poniekąd jak w ekspresjonizmie) będą stanowić inspirację do utworu.Kompozycja zbiorowa będzie miała formę jednego, kilkuczęściowego utworu, granego attaca (bez przerw między częściami), jako prawie godzinny, jednolity spektakl dźwiękowy. Jego struktura jest następująca:
Preludium (kompozytor A) – elektronika (ca 3 minuty)
Część I (kompozytor B) – instrumenty + elektronika (ca 15 minut)
Interludium (kompozytor B) – elektronika (ca 3 minuty)
Część II (kompozytor C) – instrumenty + elektronika (ca 15 minut)
Interludium (kompozytor C) – elektronika (ca 3 minuty)
Część III (kompozytor A) – instrumenty + elektronika (ca 15 minut)
Trzy 15-minutowe części stanowią trzon kompozycji – skomponowane w klasyczny sposób, z partyturą i przetwarzaniem dźwięku wszystkich 3 instrumentów na żywo. Założeniem utworu jest włączenie elementu improwizacji, w szczególności improwizacji struktur brzmieniowo- fakturalnych (użycie instrumentów elektrycznych daje w tym zakresie ogromne możliwości). Rolą krótkich interludiów, które będą miały formę taśmy (utrwalonego dźwięku, bez live electronics), będzie umożliwienie muzykom przygotowania się do kolejnej części, przygotowanie elektroniki do kolejnej części, a także połączenie muzyczne sąsiednich części. Warstwa elektroniczna realizowana jest na żywo za pomocą szeregu podłogowych procesorów efektów (takich jak np. Boss GT-6 czy butikowe efekty gitarowe) oraz przy pomocy komputera, w programie Max. Połączenie tych dwóch technologii pozwala na wykorzystanie zarówno cyfrowych, bardziej zaawansowanych technik przetwarzania dźwięku (granulacja, przekształcenia spektralne, looper, efekty typu glitch i stutter) z analogowo brzmiącymi przesterami, oktawerami, fuzzami czy chorusami, co ma istotny związek z tematyką kompozycji. Utwór „Kres” planowany jest jako samodzielny koncert, który pokazujemy wielokrotnie, zarówno w salach związanych z muzyką współczesną, jak i przestrzeniach prezentujących awangardową muzykę elektroniczną. W 2026 roku planowane są trzy wykonania: Festiwal Audio Art, festiwal NeoArte-Syntezator Sztuki oraz Hashtag Lab (w ramach cyklu koncertów elektronicznych).

[ENG.]KRES is a collaborative composition (by Artur Zagajewski, Teoniki Rożynek, and Wojciech Błażejczyk) written for an electric instrument trio—comprising electric violin, electric viola, and 8-string electric guitar—performing as part of the Hashtag Ensemble, featuring electronics and live sound processing. The work forms a unified, continuous whole lasting nearly an hour; it consists of three sections—each composed by one of the three artists—linked by interludes to ensure a cohesive sonic character. The composition explores the theme of "the end" (*kres*), interpreted both narrowly as an extreme psychological experience and broadly as the demise of values or civilization. KRES is a continuous, 50–60-minute collaborative work comprising three fifteen-minute sections linked by interludes, created by composers Artur Zagajewski, Teoniki Rożynek, and Wojciech Błażejczyk. The performing ensemble consists of electric violin (Marta Piórkowska), electric viola (Aleksandra Demowska-Madejska), and 8-string electric guitar (Wojciech Błażejczyk), alongside electronics (Wojciech Błażejczyk) in a 4-channel (quadraphonic) setup featuring intensive live processing of the three instruments' sounds. The composers were selected for their use of distinctive, high-energy, and sometimes extreme or distorted structures and timbres, combining classical compositional craft with elements drawn from rock and even metal music, as well as sonic experimentation. The composition exploits the potential of three electronic instruments, with their timbres modified via guitar effects and computer-based live sound processing. This allows the sound of instruments such as the electric violin and electric viola to be pitch-shifted down to match the lowest registers of an 8-string electric guitar. The sonic dimension—utilizing distorted, pitch-shifted, and deformed sounds—is a crucial element of the piece, intrinsically linked to its theme. The composition explores the concept of the "End": in a narrower sense, the limit of human psychological endurance; in a broader sense, the end of a civilization, of values, and of the order that has dominated global culture for the past thirty years. These two perspectives are deeply interconnected. The theme of the limit of human endurance ties into the increasingly common phenomenon of the nervous breakdown (or psychological decompensation). It is a modern-day affliction that reflects the condition of contemporary humanity. Chronic stress, work-life imbalance, an overload of responsibilities, the pressures of daily life, perfectionism, procrastination, social pressure, the socio-political climate, and workplace bullying—these are the causes cited in numerous self-help guides and scholarly articles on the subject. Such factors lead to professional burnout, a lack of motivation, and depression. These phenomena are linked to a crisis of values and democracy, as well as a pervasive sense—felt by many in today’s world—that the established civilizational order is coming to an end. This gives rise to extreme emotions—emotions bordering on the limit—across various social groups. The "end of history" proclaimed by Fukuyama in 1992 did not come to pass; instead of stability, a sense of uncertainty about tomorrow and the inevitability of war prevails, alongside an awareness of the impending end of the world as we know it. The issue of the limits of psychological endurance was already addressed over a century ago by Expressionist artists, who employed the most extreme expressive means of their era (such as the *Ur-Schrei* or primal scream). In contemporary music, this theme is most prominently explored by creators of radical metal subgenres (including nu metal, industrial metal)—such as Slipknot, Korn, Nine Inch Nails, and Edge of Sanity. The sonic techniques employed by these artists—specifically the dark soundscapes rooted in very low registers (reminiscent, in a way, of Expressionism)—will serve as inspiration for the piece. The collaborative work will take the form of a single, multi-movement composition performed *attacca* (without pauses between sections) as a continuous, hour-long sonic spectacle. Its structure is as follows:
Prelude (Composer A) – electronics (approx. 3 minutes)
Part I (Composer B) – instruments + electronics (approx. 15 minutes)
Interlude (Composer B) – electronics (approx. 3 minutes)
Part II (Composer C) – instruments + electronics (approx. 15 minutes)
Interlude (Composer C) – electronics (approx. 3 minutes)
Part III (Composer A) – instruments + electronics (approx. 15 minutes)
The three 15-minute parts form the core of the composition; they are composed in a traditional manner, featuring a written score and live sound processing for all three instruments. The piece is designed to incorporate an element of improvisation—specifically, the improvisation of sonic and textural structures (the use of electric instruments offers immense possibilities in this regard). The role of the short interludes—presented as pre-recorded audio tracks rather than live electronics—is to allow the musicians to prepare for the next section, to ready the electronics for the upcoming part, and to provide a musical bridge between adjacent sections. The electronic layer is generated live using a series of floor-based effects processors (such as the Boss GT-6 or boutique guitar pedals) alongside a computer running Max software. Combining these technologies enables the use of advanced digital sound processing techniques—including granulation, spectral transformation, looping, and glitch or stutter effects—alongside analog-style distortion, octave, fuzz, and chorus effects; this blend is integral to the composition's thematic concept. The piece "Kres" is designed as a standalone concert performance intended for repeated presentation in venues dedicated to contemporary music as well as spaces showcasing avant-garde electronic music. Three performances are scheduled for 2026: at the Audio Art Festival, the NeoArte-Syntezator Sztuki festival, and Hashtag Lab (as part of an electronic music concert series).